Gemeinde Südheide

Motiv : Mensch – eine Ausstellung des Albert-König-Museums

Statt im Albert-König-Museum kann die aktuelle Ausstellung „Motiv : Mensch“ derzeit als virtuelle Ausstellung besucht werden. Die Bilder der Ausstellung werden mit erläuternden Texten nach und nach hier präsentiert.  Es lohnt sich daher, die Seite wiederholt aufzurufen, um sich keines der interessanten Exponate entgehen zu lassen.

© Stiftung Albert-König-Museum
Selbstbildnis mit Palette, 1910, Öl auf Leinwand
Die Gestalt des Göttlichen und das Gesicht des Herrschers waren seit der Antike zentrale Motive künstlerischen Schaffens. Erst im ausgehenden Mittelalter, mit Beginn einer neuen Gesellschaftsordnung durch bürgerliche Kräfte wurden auch Genreszenen und wirkliche Porträts gemalt. Bis zum 19. Jahrhundert entwickelten sich daraus verschiedene Kategorien für die Darstellung des Menschen. Gleichzeitig wuchs das Selbstbewusstsein der Künstler und ihr Bedürfnis, sich der Welt zu präsentieren. In dieser Tradition steht auch das Selbstporträt des Malers Albert König, das er im Alter von 29 Jahren gemalt hat.

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Geschwister, o.J., Öl auf Leinwand
Bei diesem Bildnis handelt es sich um ein so genanntes Doppelporträt, eine Sonderform, die Albert König selten gemalt hat. Ein schönes Blau durchzieht die gesamte Bildfläche vom Hintergrund über die Bilder im Kinderbuch bis zu den Strümpfen im Vordergrund. Damit kontrastiert das Weiß von Tür, Kalenderblatt, Schürze und Buch. Von seinem Lehrer Moritz Heymann beeinflusst, trug König die Farben in spätimpressionistischer Manier so auf, dass das streng frontal aufgebaute Bild auflockert wird und der dargestellte Raum trotz der kühlen Farben von einem warmen Licht durchflutet zu sein scheint.

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Dorothea König, 1920/30, Öl auf Leinwand
Es gibt wohl kein schöneres Porträt von Albert König als dieses Bildnis seiner Frau. Alles ist ihm hier gelungen: Er komponierte das Bild streng nach der Farbtheorie der Komplementärfarben: Blau-Gelb-Rot stehen Violett, Orange und Grün gegenüber, wobei er dem edlen Kontrast von Blau und Gelb die Hauptrolle gab. Darüber hinaus ist es äußerst ungewöhnlich, ein Porträt im Querformat zu malen, da es der menschlichen Anatomie nicht entspricht. Der besondere Charme aber liegt in der anmutigen Schönheit und gelassenen Ruhe der Dargestellten.

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Der Wächter, 1930, Öl auf Hartfaser
Das Halbfigur-Porträt dieses Pfeife rauchenden Mannes in grünem Umhang zeigt den Nachtwächter aus Hohne, Herrn Gottschalk. Das Porträt zählt zu den so genannten Standesporträts, die ihren Ursprung im 16. Jahrhundert haben. Vor allem Kleidung, Körperhaltung und Beigaben wie Orden, Insignien oder ähnliches vermittelten dem Betrachter die gesellschaftliche Funktion der dargestellten Personen. Wenn es sich bei Herrn Gottschalk auch nicht um eine hochrangige Persönlichkeit handelt, so ist seine Funktion als Nachtwächter dennoch sofort am Signalhorn zu erkennen.  Die Darstellung der Landschaft außerhalb des Ortes unter dem Nachthimmel mit Mond und Stern tragen dazu ebenfalls bei.

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Frau in antikem Gewand, 1902, Öl auf Leinwand
Dieses sehr frühe Gemälde von Albert König zeugt durch seine stattliche Größe (90,5 x 65 cm) vom Selbstbewusstsein des 21-jährigen Künstlers. Möglicherweise entstand es noch in Düsseldorf, wo König bis 1902 an der Kunstgewerbeschule studierte, denn Motiv und Bildauffassung sind recht akademisch. Es handelt sich um ein Idealporträt einer jungen Frau in einem antikischen Phantasiegewand. Mit der Stola schirmte der Maler die Figur vom unruhigen Hintergrund ab, sodass die kunstvoll gemalten Falten des Gewandes voll zur Geltung kommen. Tauben, Gebüsch und Brunnen erwecken den Eindruck eines unbeobachteten, stillen Winkels im Garten, wo die junge Frau ihren Gedanken und Träumen nachhängen kann.

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Blaue Pinge, 1920er oder 30er Jahre, Tempera auf Hartfaser
Keine andere Gattung bevorzugte Albert König so sehr wie die Landschaftsmalerei. Menschendarstellungen integrierte er dann gern in seine Landschaftsgemälde, wenn sie die Landschaft geprägt oder gar geformt haben wie bei diesem Motiv: Es handelt sich um eine sogenannte Pinge, einen durch Tagebau entstandenen Gang in erzhaltigem Gestein. Die junge Frau im blauen Kleid, die Albert König als Staffagefigur malte, hält einen Wanderstock in der Hand und wirkt im Vergleich zu ihrer Umgebung winzig. Ob dieses Größenverhältnis absichtlich so gemalt wurde oder den Tatsachen entsprach, ist nicht mit Sicherheit nachzuweisen. Diese Gegenüberstellung von Mensch und Natur stimmt jedoch nachdenklich.

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Sonnenuntergang im Moor, 1906, Öl auf Leinwand
Albert König kombinierte zuweilen die Landschaftsmalerei mit eingefügten Personen, die nur Staffagefiguren zu sein scheinen. Obwohl sie fast immer vom Betrachter abgewendet sind, ist ihre Funktion für die Wirkung des Bildes sehr wichtig. Denn durch sie überträgt sich eine träumerische, in sich ruhende Stimmung. Das Inne-Halten und Schauen der Dargestellten erklärt letztlich sogar die Existenz des jeweiligen Landschaftsgemäldes. Manchmal handelt es sich aber auch um Menschen, die in dieser Landschaft arbeiten und sie gestalten. Arbeit und Alltag der Bauern war Albert König von Kindheit an vertraut. Daher sind sie relativ häufig Motiv seiner Kombination von Landschaft und Mensch.

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Selbstbildnis, im Wald zeichnend, 1942, Öl auf Hartfaser
Das Selbstbildnis eines Künstlers ist für den Betrachter immer interessanter als für den Maler selbst. Handelt es sich nur um eine Studie, so legt der Künstler keinen Wert auf den emotionalen Ausdruck. Manchmal ist das Selbstbildnis aber auch das Ergebnis einer Selbstbefragung. Dann muss der Künstler auch in seinem eigenen Gesicht den ihm angemessenen Ausdruck finden. Er muss die Körperhaltung malen, die seine eigene Befindlichkeit am besten spiegelt, und mit den Augen seine Gemütslage wiedergeben. Mit einem größeren Bildausschnitt kann er mit einer Halbfigur auch die Hände zeigen und sich so als Künstler ausweisen.

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Bärtiger alter Mann, o. J., Öl auf Malpappe
Das Gesicht des Menschen ist zugleich ein naheliegendes und schwieriges Motiv für einen Künstler, denn die Erwartungen des Betrachters sind enorm. Um diesen Ansprüchen gerecht zu werden, wurden junge Künstler an den Akademien und Kunstschulen speziell darin ausgebildet, Porträts anzufertigen. Auch Albert König erhielt in München solchen Unterricht. Die in diesem Unterricht entstandenen Bilder nennt man allgemein Studienköpfe. Sie zeigen grundsätzlich nur den Kopf, meist frontal oder im Profil, obwohl natürlich andere Ansichten ebenso geübt wurden - wie hier das Viertelprofil, bei dem das zweite Auge gerade noch zu sehen ist.

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Heideschäfer, um 1925, Öl auf Leinwand
Mitunter studierten Künstler in Vorbereitung von Gemälden besonders markante Gesichter, die einem bestimmten Typus entsprechen, so genannte Charakterköpfe. Bei Albert König finden sich vor allem männliche Charakterköpfe: Bärtige alte Männer oder sonnengebräunte Gesichter, die den Typus des erdverbundenen, schlichten Heidjers heraufbeschwören.

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Renate mit Ballnetz, 1920er Jahre, Öl auf Leinwand
Ein Porträt fordert weit mehr vom Künstler als die geschickte Wiedergabe von Stereotypen. Gefragt ist die Ähnlichkeit mit dem lebenden Modell. Albert König übte so oft er konnte mit ihm nahestehenden Personen das auf genauer Beobachtung basierende Porträtieren. Eines seiner wichtigsten Modelle war eine Nichte seiner Frau, Renate Unkrodt. Er variierte dabei den Bildausschnitt, so dass von ihr Porträts als ganze Figur, Halbfigur und Büste existieren. Das Porträt von Renate mit Ballnetz ist ein sogenanntes als Kniestück. Bei anderen Porträts lag Königs Interesse mehr auf dem Gesicht oder der Körperhaltung. Für Auftragsarbeiten nutzte er das lebhafter wirkende Dreiviertelprofil.

© Stiftung Albert-König-Museum
Junge Frau mit Blütenzweig, 1923, Öl auf Leinwand
Die junge Frau hält einen blühenden Zweig in der Hand und steht in einer Landschaft mit Wasser, Wiesen und Waldrand. Man könnte sie als Personifikation des Frühlings deuten und das Bild damit der Kategorie der allegorischen Porträts (auch: Rollenporträts) zuordnen. Wenn auch die Allegorie in der Porträtmalerei eigentlich in die Zeit von Renaissance und Barock gehört, so haben doch einzelne Künstler späterer Epochen gerne auf dieses Stilmittel zurückgegriffen, um dem Werk eine tiefere Bedeutung zu geben. Auch in der akademischen Malerei des ausgehenden 19. Jahrhunderts spielte die Allegorie noch eine Rolle – möglicherweise hatte König dies in München kennengelernt und verwendete sie hier für ein (Auftrags-)porträt.

Mensch und Natur bei Albert König

Albert König kombinierte zuweilen Landschaftsmalerei mit eingefügten Personen. Meist sind die dargestellten Landschaften in diesen Kombinationen das eigentliche Thema und Motiv der Gemälde. Aber sein Blick auf die Naturverbundenheit der Menschen seiner Umgebung schließt auch bäuerliche Tätigkeiten oder Spaziergänger mit ein.

© Stiftung Albert-König-Muesum
Weite Landschaft mit sitzender Frau, ca. 1920, Öl auf Leinwand
Auffällig oft kombinierte Albert König Frauen mit Landschaftsbildern, so als gehörten für ihn Natur und Frau zusammen. Die Zuordnung von Frau und Natur ist in der Tat sehr alt und war noch zu Beginn des 20. Jahrhunderts im Denken der Menschen fest verankert. Doch in den Bildern Albert Königs hat die Frau weniger eine symbolische Bedeutung als vielmehr eine erklärende Funktion:  Über die in der Landschaft verweilenden Frauen überträgt sich deren träumerische, in sich ruhende Stimmung auch auf den Betrachter. Das Inne-Halten und Schauen der dargestellten Frauen erklärt letztlich sogar die Existenz des jeweiligen Landschaftsgemäldes.

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Auf der Terrasse des Marburger Schlosses, um 1920 (?), Öl auf Leinwand
Das Hauptmotiv dieses Gemäldes ist ein großer Baum, der mehr als die Hälfte der Bildfläche einnimmt. Er steht innerhalb eines ummauerten Bereichs, an dem außen entlang eine breite, ebenfalls mit einer Mauer abgegrenzte Straße führt. Ihr folgend trifft der Blick des Betrachters auf eine kleine Frauengestalt, die von der Höhe herab, über die Mauer gelehnt, in die weite Landschaft unter und vor ihr schaut. Diese Figur erfüllt innerhalb der Komposition eine wichtige Rolle, denn sie gibt die Größenverhältnisse an, führt in die Tiefe des Bildraumes und vermittelt uns die träge Ruhe des Sommernachmittages.

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Königlicher Hegemeister W. Bieling, 1908, Öl auf Leinwand
Das Bildnis von Herrn Bieling, dem königlichen Hegemeister, entstand 1908, kurz bevor König nach München zog, um dort zu studieren. Herrn Bielings besonderes Verhältnis zur Natur zeigt König in diesem Porträt vor allem durch die Kleidung und Attribute: Der Hegemeister ist sowohl mit Fernglas und Gewehr als auch mit Pfeife und Flachmann ausgestattet. Mit einer Hand hält er ein stattliches Hirschgeweih fest, das zugehörige Tier lässt sich nur vermuten. Dass der Hegemeister es gerade erst geschossen hat, legt die im Hintergrund angedeutete Landschaft nahe. So wird der Eindruck erweckt, der Maler - und damit auch wir - seien direkt bei dieser Jagd dabei gewesen.

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Die Gänserupferinnen, ca. 1917, Aquarell und Gouache auf Papier
Zuweilen thematisierte Albert König in seinen Menschendarstellungen das bäuerliche Leben. In diese Kategorie gehören ebenso die Gänse rupfenden Bäuerinnen wie die ein Schwein schlachtenden Männer. Die Enge des Raumes und die konzentrierte Haltung der Frauen intensiviert die eigentlich banale Handlung. König steigerte dies sogar noch durch die räumliche Nähe, aus der er diese Szene malte. So zieht er den Betrachter mitten hinein das Geschehen.

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Schlachtefest, 1915, Öl auf Leinwand
Das Bild von den schlachtenden Bauern ist erstaunlich klein, nur 25 x 35 cm groß. Sicherlich ist es nach einer Skizze angefertigt, die König 1915 wahrscheinlich direkt während des Geschehens gemacht hatte. Mag ihn beim Skizzieren noch der Vorgang an sich interessiert haben, so verlor er das Interesse daran zugunsten einer kompositorischen Aufgabe, denn deutlich sieht man die Verschiebung seiner Prioritäten: Ist in der Zeichnung noch die Anstrengung der Männer sichtbar, die Umgebung hingegen nur angedeutet, so ergibt der enge Raum im Gemälde eine Bühne, auf der das Geschehen stattfindet. Die senkrechten Wände ordnen den Haufen im Vordergrund, indem sie jedem Beteiligten einen festen Platz im Ablauf der Handlungen zuweisen.

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Herr mit Hut, ca. 1918, Bleistift auf Papier
Bei dem Thema „Mensch und Natur“ darf der Spaziergänger nicht fehlen, der die Natur müßiggängerisch genießt. Selbst wenn hier gar keine Landschaft zu sehen ist, und sogar ein Stuhl angedeutet scheint, auf dem der Herr sitzt, so weisen doch Stock und Hut darauf hin, dass er vermutlich als Spaziergänger unterwegs ist oder sein wird. König hat solcherlei Studien einerseits wohl zu Übungszwecken angefertigt, andererseits konnte er sie für spätere Bilder als Vorlage benutzen.

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Damenbildnis, ca. 1925, Öl auf Leinwand
Das unfertige Bild dieser jungen Frau stellt einen besonderen Typus der Porträtmalerei dar: das Bildnis in der Landschaft. Im 18. Jahrhundert hatte es mit der Malerei von Thomas Gainsborough eine glanzvolle Vollendung erreicht, wenngleich die Gattung seit der Renaissance bekannt ist und bis ins 20. Jahrhundert fortgeführt wurde. An der Lichtführung erkennen wir, dass König keineswegs im Freien gemalt hatte, sondern die Landschaft zu einem im Atelier gemalten Porträt hinzufügen wollte. Anders also als bei den Gemälden, in denen das Hauptaugenmerk auf der Landschaft liegt und die dargestellten Frauen für die Komposition und den Effekt der Stimmung hinzugefügt wurden, hinterfangen hier die Farben der Landschaft das Bildnis, ohne direkt Bezug zur Dargestellten zu haben.

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Schäfer, Öl auf Leinwand
Wir sehen hier nicht allein einen Charakterkopf – das wettergegerbte Gesicht eines alten Mannes – sondern auch einen Schäfer, das Porträt ist daher ein so genanntes Rollenporträt. Die Herde ist im Hintergrund zu sehen, der Schäfer aber ist aus großer Nähe gemalt, als stünde er direkt vor dem Maler. Anders als im Damenbildnis G 205 hat König hier eine einheitliche Lichtsituation für die Figur und die Landschaft im Hintergrund geschaffen, sodass das Bild wirkt, als sei es spontan unter freiem Himmel entstandenen. König hat diesen Kopf so oft gemalt, dass es ihm sicherlich leichtfiel, diesen Eindruck maltechnisch hervorzurufen. Dennoch liegt sowohl in der Flüchtigkeit der Pinselführung als auch in der Beherrschung des Lichts solche Überzeugungskraft, dass das Motiv nicht an Anziehungskraft verloren hat.

Das Portät bei Albert König

Albert König ist nicht als Porträtist berühmt geworden. Seine großen Stärken lagen zum einen in der Landschaftsmalerei, zum anderen auch in den grafischen Techniken vor allem in der Kunst des Holzschnitts. Dennoch hat er eine beachtliche Anzahl an Porträts geschaffen, und dies zeit seines Lebens. Keineswegs also darf die Porträtmalerei als Ausdruck eines vorübergehenden Interesses des Malers am Motiv Mensch bezeichnet werden.

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Zwei Studienköpfe, 1908, Kohle auf Papier
Die im Unterricht und als Vorbereitung für ein gemaltes Porträt entstandenen Zeichnungen nennt man allgemein Studienköpfe. Viele Künstler suchten sich dafür besonders markante Gesichter – so genannte Charakterköpfe – die einem bestimmten Typus entsprechen. Dieses Vorgehen war bis ins späte 19. Jahrhundert allgemein üblich und hielt sich an den Akademien bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts. Auch König hat sicherlich solche „Typen“ im Unterricht bei seinem Lehrer Moritz Heymann kennengelernt. Eng verbunden mit den Charakterköpfen sind freilich auch die Bildinhalte: Idealporträts, Bilder religiösen Inhalts oder Historienbilder benötigen wiedererkennbare Urbilder.

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Öl auf Leinwand, 1926; Kohle auf Papier 
Das Porträt der Gräfin Luckner malte Albert König nach einer Vorstudie, die er als Kohlezeichnung auf Papier anfertigte. Üblicherweise muss man dem Maler für ein Porträt mehrfach Modell sitzen, was anstrengend, zeitraubend und langweilig ist. Daher bereiteten einige Maler das Bildnis mit Skizzen und Studien vor, damit die zu porträtierende Person nicht zu oft und zu lange stillsitzen muss. Dennoch lässt es sich nicht vermeiden, dass das Modell durch das lange Stillhalten einen wenig lebhaften Gesichtsausdruck annimmt. Um das Gesicht dennoch interessant zu gestalten, wählten die Maler meistens das so genannte Dreiviertelporträt, in dem Licht und Schatten besonders wirkungsvoll zur Geltung kommen.

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Selbstbildnis mit Akelei, 1942, Tempera auf Malpappe
Das Selbstbildnis eines Künstlers ist für den Betrachter immer besonders interessant. Für den Künstler ist das eigene Gesicht hingegen oft nur die einfachste Lösung für das Problem, ein Modell zu beschaffen. Zuweilen aber zeigt sich schon in den vorbereitenden Zeichnungen zu einem Gemälde, dass das Selbstbildnis ein „echtes“ Porträt sein soll. Dies ist unmittelbar an der Körperhaltung und Mimik, vor allem am Blick erkennbar. Dieses Selbstporträt Albert Königs entstand knapp zwei Jahre vor seinem Tod. Er sieht sich selbst als alten Mann an seinem Lebensende.

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Drei Vorstudien König, Kohle auf Papier
Die Vorstudien zu Königs letztem Selbstporträt sind umfangreich. Er zeichnete sich aus den verschiedensten Blickwinkeln, mit und ohne Brille und wählte schließlich eine Ansicht, die sein Gesicht fast frontal wiedergibt. dies hat den Vorteil, dass der Dargestellte den Betrachter direkt anzuschauen und gleichzeitig in einer winzigen Bewegung innezuhalten scheint. Es ist die vielleicht schwierigste Variante aller Porträtdarstellungen, sicher aber die interessanteste, weil sie ein Zwiegespräch zwischen Dargestelltem und Publikum ermöglicht.

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Selbstbildnis mit Pelzmütze, 1925, Öl auf Leinwand
Im Gegensatz zu seinem späten Selbstbildnis mit Akelei malte König sich 1925 – also im Alter von 44 Jahren – äußerst selbstbewusst und in bürgerlicher Kleidung, so als habe er ein Bildnis von sich in Auftrag gegeben. Der winterlichen Kleidung mit Schal und Pelzmütze entspricht der flirrend weiße Hintergrund, der an Schnee erinnert. Der extreme Kontrast zwischen hellen und dunklen Partien und der Anschein von Kälte durch die Farbwahl interessierten ihn hier besonders. Der intensive Blick aus dem Bild heraus ist ein Zeugnis dafür, wie genau König die Wirkung des Lichts auf Gesicht und Kleidung erforschte.

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Damenbildnis (Martha), 1920er Jahre (?) Öl auf Malpappe
Der Hintergrund eines Porträts sollte entweder ein Ambiente sein, das über die dargestellte Person Aufschluss gibt (z.B. ein Atelier beim Selbstporträt) oder aber zurückhaltend gestaltet sein – traditionellerweise steht oder sitzt das Modell vor einer einfarbigen Wand. Albert König hat beim Porträt seiner Schwägerin Martha einen ganz eigenwilligen Hintergrund gewählt, der aus verschiedenfarbigen, einander überschneidenden Flächen besteht. In Kombination mit der auf die Brust gelegten Hand wirkt dieser Hintergrund fast wie eine Bühnenbeleuchtung für eine Schauspielerin.


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Kleiner Junge mit Tulpe (Enrst Fischer aus Eschede) 1920er Jahre
Das Bildnis von Ernst Fischer aus Eschede ist ein Kinderporträt, eine Gattung, die erst relativ spät in der Geschichte der Malerei aufkommt und mit der Wahrnehmung des Kindes als eigenständiger Person unmittelbar zusammenhängt. Dies geschah erst im Laufe des 19. Jahrhunderts. Albert König hat dieses Porträt sicherlich als Auftragswerk ausgeführt, denn er hat es mit mindestens einer Zeichnung sorgfältig vorbereitet. In der Zeichnung fehlt die Blume, die König womöglich deshalb hinzugefügt hatte, weil ihm das Bild im Ganzen zu dunkel für ein Kinderbildnis erschien.

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Porträts des Ehepaares Oehm aus Eschede1907, Öl auf Malpappe
Diese beiden Porträts wurden offensichtlich aufeinander bezogen gemalt, weshalb man sie zur Kategorie der Doppelporträts rechnet. Der Maler Albert Oehm gehörte zu Königs ersten Förderern. Bei ihm ging er nach seinem Schulabschluss in die Lehre (1896 bis 1899). Anschließend besuchte er die Kunstgewerbeschulen in Düsseldorf und Hannover (bis 1902). Weil er ein weiteres Studium zunächst nicht aufnehmen konnte, versuchte er, sich im Selbststudium weiterzubilden. In diese Zeit gehören die beiden Bildnisse des Ehepaars Oehm. Obwohl König versuchte, die Malfläche interessant zu gestalten und der Darstellung Tiefe zu verleihen, gelangen die beiden Gemälde nicht zu seiner Zufriedenheit. Die Gesichter wirken hölzern, das Licht entfaltet keine belebende Wirkung. Tatsächlich wollte er zunächst aufgeben: „Zeichenstift und Pinsel faß‘ ich nicht wieder an“ schrieb er 1907 in einem Brief an den Freund Max Böcker und verließ Eschede noch im selben Jahr.  

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Selbstbildnis mit Dorothea, 1920er Jahre, Kohle auf Papier
Auch diese Zeichnung ist ein Doppelporträt, allerdings ein völlig ungewöhnliches: König zeigt sich selbst als Maler an der Staffelei, während seine Frau im Hintergrund, und ohne auf ihn Bezug zu nehmen, am Fenster stehend ein Buch liest. Sie ist Teil der Umgebung des Porträtierten und gehört zu seinem Leben wie die Bücher, das Bild an der Wand oder die Staffelei, die stellvertretend für seine Arbeit steht. Daher könnte man dieses Bildnis auch zur Kategorie der erweiterten Porträts zählen. Auf jeden Fall ist es ein liebenswertes Zeugnis für das Miteinander dieses Paares und erlaubt einen intimen Einblick in seinen Alltag.


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Geisha, 1909, Bleistift auf Papier; Kostümfigurine, 1909, Bleistift auf Papier
Diese Studienblätter aus Königs Unterrichtszeit an der privaten Malschule von Moritz Heymann in München zeigen so genannte Kostümstudien, die im Unterricht eine wichtige Rolle spielten. Moriz Heymann gehörte einer Generation an, für die die Historienmalerei, in der entscheidende Augenblicke der Weltgeschichte dargestellt wurden, noch als die Königsdisziplin der Malerei galt. Seinem Freund Böcker schilderte Albert König wie der Unterricht ablief: „ […] von Morgens 9 bis 12 Uhr Kopfzeichnen, von 2 bis 4 Kostümzeichnen, u. von 5 bis 7 Aktzeichnen. es wird auch viel skizziert, so war es gestern Nachmittag sehr interessant, unser Kostümmodell (eine Holländerin) hatte alle 10 bis 15 Minuten eine andere Stellung. […]“ (Brief vom 17. Januar 1909).

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Mädchen mit Gitarre, ca. 1918, Bleistift (Kohle?) auf Papier
Die Zeichnung einer jungen Frau mit Gitarre gehört strenggenommen ebenfalls nicht zu der Kategorie „Porträt“, doch die angedeutete Umgebung lässt vermuten, dass König sein Modell gut kannte: Immerhin sitzt die junge Frau auf einem Bett, hinter ihr ist ein hohes Kopfteil skizziert. Die sorgfältige Zeichnung hält nicht nur einen lebensnahen Moment fest, sondern beweist auch, dass König entweder selbst Gitarre spielen konnte oder zumindest viel Kontakt mit diesem Instrument hatte, denn die Fingerhaltung beider Hände ist korrekt dargestellt. Der besondere Charme dieser Studie liegt in dem Anschein von stiller Beobachtung, denn die junge Frau ist so vertieft, dass sie den zeichnenden Künstler gar nicht zu bemerken scheint.

Die Akte – Zeichnungen und Gemälde
Der Aktzeichenkurs nimmt in der Ausbildung der Künstler aller Gattungen eine zentrale Stellung ein, da er die Grundlagen der richtigen Darstellung des Menschen vermittelt. Ein Aktgemälde, das farblich und technisch zeigt, was der Maler kann, gilt nach wie vor als Herausforderung für jeden Maler.

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Stehender weiblicher Akt, Bleistift auf Papier, 1909
Für Albert König, der in München mit Beginn seiner Ausbildung bei Heymann (1870-1937) einen ungeheuren Motivationsschub erlebte, scheint der Unterricht im Aktzeichnen weit mehr gewesen zu sein, als die Lehre von Proportionen und anatomischem Wissen. Er schrieb in einem Brief vom 17.1.1909: „Am zweiten Abend hatten wir ein ungefähr 12jähriges Mädel, ein wunderhübsches Kind wie sie da so frei stand. Engel können nicht schöner und überwältigender sein für mich, im ersten Moment konnte ich nicht arbeiten […]“ Dennoch beweisen seine bei Heymann entstandenen Aktzeichnungen seinen präzisen Blick und seine Fähigkeit, das Gesehene richtig wiederzugeben.


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Zwei männliche Akte, Bleistiftund Rötel auf Papier, 1909
König erhielt bei Moritz Heymann eine klassisch-akademische Ausbildung. Die Modelle für den Unterricht im Aktzeichnen waren neben Frauen und Kindern selbstverständlich auch Männer und Knaben. Die Schüler sollten den menschlichen Körper in all seinen Erscheinungen – jung und alt, weiblich und männlich, schön und häßlich – kennenlernen. Die Posen der Modelle deuten auf die traditionellen Bildmotive hin, die um 1900 bereits durch moderne Strömungen verdrängt wurden. So sehen wir in der Zeichnung Z 61.028R deutlich die Haltung eines Gekreuzigten.


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Akt mit Totenschädel, Bleistift auf Papier, 1912
Nach kurzer Zeit des Studiums beherrschte König die Darstellung des menschlichen Körpers so gut, dass er frei damit arbeiten konnte. Dieses Bild einer jungen nackten Frau mit Totenschädel, diente ihm als Vorzeichnung für einen Holzschnitt von 1912. Mit einer kräftigen Konturlinie umriss er den Körper und schattierte ihn nur grob. Auch das um die Beine geschlungene Tuch sowie der Hintergrund sind nur flüchtig angedeutet. Die Darstellung erinnert an das seit der Renaissance beliebte Motiv „Tod und Mädchen“. Obwohl der Tod hier, anders als sonst, auf einen Schädel reduziert ist, scheint er doch im intensiven Zwiegespräch mit der ihn betrachtenden jungen Frau zu sein.

© Stiftung Albert-König-Museum© Stiftung Albert-König-Museum
In der „Modernen Schule für freie und angewandte Kunst“ von Georg Tappert (1880–1957) in Berlin studierte König etwa ein Jahr lang. Tappert ermutigte seine Schüler, nicht nach akademischen Regeln zu malen, sondern ihrem eigenen Empfinden zu vertrauen. Königs Berliner Aktstudien wirken daher moderner als die ein Jahr zuvor in München entstandenen Zeichnungen.  Selbst die Posen der Modelle wirken zeitgemäßer, natürlicher und interessanter. König konzentrierte sich auf den Umriss der Figur, schattierte kaum und erfasste die Gestalt scheinbar mit einer einzigen Linie. Tatsächlich zog er die rote Linie nach Beendigung der Skizze wie man bei Z 66.006 deutlich sehen kann.


© Stiftung Albert-König-Museum© Stiftung Albert-König-Museum Hodler, femme joyeuse, 1911, Öl auf Leinwand, Privarbesitz
In Berlin lernte König die zeitgenössischen modernen Kunstströmungen durch seine Besuche in Galerien und Ausstellungen kennen. Vieles davon lehnte er ab: „Dieser Tage war ich auch mal in der Ausstellung, […] aber unter aller Kanone, noch unterm Dilettantismus, es spottet überhaupt jeglicher Beschreibung. Dass so etwas in Berlin passieren kann, ist mir unbegreiflich.“ Intensiv hingegen setzte er sich mit dem Jugendstil auseinander. Dies zeigt sich in den linear aufgefassten Aktstudien und den theatralischen Gesten und Körperhaltungen, wie sie z.B. von einem der einflussreichsten modernen Maler, Ferdinand Hodler (1853-1918), bevorzugt wurden. König experimentierte seit dieser Zeit mit Darstellungsmitteln und Techniken der von ihm favorisierten Künstler. Diese experimentelle Phase dauerte bis in die 1920er Jahre.

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Liegender Akt, Öl auf Leinwand, 1910
Das auffälligste Aktbild von Albert König ist dieses Gemälde von 1910. Die warmen Farbtöne und die pointillistische Technik des Farbauftrags rufen den Eindruck von sommerlicher Hitze hervor. So scheint es fast selbstverständlich, dass die junge Frau völlig nackt daliegt, wozu jedoch ihre verkrampft wirkende Pose in gewissem Kontrast steht. Albert König hat ein großes Format (80x120 cm) gewählt, das für ein repräsentatives Werk geeignet ist. Möglicherweise war es ein Auftragswerk des Vorbesitzers: der Architekt Wilhelm Matthies aus Bardowick. Er war mit König befreundet und hat ihm 1926 das Haus in Unterlüß gebaut.

© Stiftung Albert-König-Museum© Stiftung Albert-König-Museum
Liegender Akt
Diese beiden kleinen Ölstudien zeigen liegende weibliche Akte, die sich in Malweise und Bildauffassung deutlich unterscheiden. Während der eine Akt die Frau in einer klassischen Pose zeigt wie sie z.B. durch die Gemälde des Franzosen J.A.D. Ingres  (1780-1867) bekannt geworden sind, wirkt die andere Studie hölzern, aber auch realistischer. Die Idealisierung der ersten Dargestellten zeigt sich in den etwas zu langen Gliedern, ihrem klassischen Gesicht und der traditionellen Farbwahl: Blau, Rot, Schwarz und Goldbraun. Ganz im Gegensatz dazu besteht die Palette des zweiten Aktes in Naturtönen, die Körperhaltung der Frau ist verkrampft, aber verständlich, denn Gesicht und Arme verraten, dass es sich um kein professionelles Modell handelt.

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Halbakt mit Apfel, 1927, Öl auf Leinwand
In vielen Gemälden Königs aus den 1920er Jahren finden sich Elemente, die er sich im Studium bei Heymann angeeignet hatte. Daneben aber zeigt sich seine Auseinandersetzung mit modernen Strömungen wie dem Jugendstil und Symbolismus. Immer mehr traut er seiner eigenen Überzeugung, wahrhaftig das zu malen, was er sieht. Dieser Halbakt ist ein sehr gutes Beispiel für das Zusammenwirken all dieser Einflüsse und Überlegungen: Der Hintergrund ist in spätimpressionistischer Technik gemalt, der Symbolismus klingt im Motiv der „Eva mit dem Apfel“ an. Die gebräunten Hautpartien an Armen und Gesicht verraten, dass diese Eva eine Frau ist, die viel im Freien arbeitet – vielleicht eine junge Magd aus Königs Nachbarschaft.

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Halbakt mit Aura, 1917 Öl auf Leinwand; Edvard Munch, Madonna, 1894, Öl auf Leinwand, Munch-Museum Oslo
Neben Ferdinand Hodler war auch Edvard Munch (1863-1944) ein Künstler, über den viel diskutiert wurde. In den Kunstzeitschriften wurden seine Grafiken und Gemälde reproduziert, er nahm an den Ausstellungen progressiver Künstler in ganz Europa teil. Sicher hat König Bilder von ihm in Berlin gesehen, auch wenn er in seinen Briefen niemals Munch erwähnte. Unverkennbar aber ist die Ähnlichkeit dieses Aktes mit Munchs „Madonna“, einem Bild, das sehr schnell Bekannt wurde: Haltung und Gesichtsausdruck sowie der Lichtkranz um den Kopf und sogar die Farbigkeit sind ähnlich. Im Gegensatz zu Munchs reduzierter Ausführung hat König aber auch die räumliche Situation mit in die Darstellung aufgenommen und blieb bei einer naturalistischen Wiedergabe des Körpers.


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Liegender Akt auf grüner Decke, o.J. Öl auf Leinwand
Zu Königs frühen selbständigen Werken gehört auch dieser liegende Akt, der von beachtlicher Größe (80x100 cm) ist. Format und Motiv zeugen von Königs Selbstbewusstsein. Auch die Dargestellte strahlt einen gewissen Stolz und Persönlichkeit aus: Sie sieht den Betrachter direkt und mit größter Selbstverständlichkeit an. Möglicherweise war auch dieses Bild ein Auftrag – oder ein Bild, das der Maler für sich selbst gemalt hat, denn es besteht eine gewisse Ähnlichkeit des Modells mit Dorothea König. Anders als im Bild von 1910 (s.o.) malte König diesen Akt in freier Pinselführung und konzentrierte sich weniger auf harmonische Farbflächen als vielmehr auf die großen Linien.